29/12/2020

走進「XX – 香港藝術學院20周年展」，感受藝術創作平靜背後的暗湧

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Helena Hau
Helena Hau
若能以直白的言語，偶爾夾雜著現代式的文縐縐，再添點靈光一閃，寫一個大家都聽得懂的故事，便好。
Assistant Managing Content Editor

Text: Helena Hau

　　細數香港提供藝術相關課程的學校，本就寥寥可數，有純藝術可讀的學校，更少之又少；於2000年創辦的香港藝術學院便是其中一間。日前，Hong Kong Art School迎來了第20周年，假包氏畫廊舉行大展——「XX – 香港藝術學院20周年展」。

　　展覽中的「XX」是羅馬數字「二十」的意思，展覽沒有一個十分明確的主題，但卻能感受到藝術家如何循著自己對藝術的熱誠，不停發展及突破的信念。展覽由院長陳育強和四位藝術家黃麗貞、香建峰、黎健強及林嵐一同策劃，參展藝術家共33位，包括畢業生、老師及創校成員，當中不乏知名藝術家及活躍藝評人，從陶瓷、繪畫、攝影及雕塑四個範疇出發，展出多達80逾件作品。

　　隨著院長陳育強及總監林嵐的步伐逛畢展覽，絕對能用豐富及啟發二詞去形容。展出的藝術家均出自不同科目，但卻不少是跨越媒介跨越界限的創作，讓人感受到藝術的無限可能性。站在這些藝術作品前，靜靜地凝視著，它所呈現的不僅是一個結果，而是一個漫長的過程；這個過程有可能經歷久久的停滯不前、有可能不停地被自己推翻，幸運地，最後或許能找到出口。

陶瓷作品：Clay Con Moto

陳思光，Clay Con Moto (Optional) ，2017

白瓷、磁石、鐵片

150 cm x 150 cm x 5 cm

無框白瓷196件

　　展覽當中，以陶泥為媒介的作品，或許是一個很好的例子去訴說陶瓷作為器皿以外的可能性。作品「Clay Con Moto」出自陶藝家陳思光之手，他稱自己為「泥土實驗家」，喜以物料本身作為出發點做創作，在全職與陶泥為伍前，他曾任職精算師一職十年，忽感到要作出改變，毅然辭去工作，修讀陶瓷相關課程，先後完成學士及碩士學位。

作品局部

　　一片片薄如紙張的瓷片捲縮著身軀，形態各異，作品以陶泥為媒介，探索的卻是陶瓷與舞蹈之間的關係，或說如何用陶瓷跳舞。薄如紙的瓷片不同於常見的製陶技巧——手捏與拉胚，透薄的形態需要依附在某種媒介上，陶泥本身亦不能太厚重，於是陳思光將白紙浸泡泥漿中或將泥漿塗抹在白紙上，靜候其變化。

陳思光，Clay Con Moto II ，2017-2020

錄像裝置、紙

100 cm x 100 cm, 約5分鐘

　　與陶泥稍有接觸過便會知道，陶泥在燒製之前有一定的韌性及伸展性，可以塑造不同的形態，而陳思光選擇只做一半，這是一個既有意，又無意的舉動，他走了第一步後，則任由紙張與泥漿在陽光、空氣和溫度下自然收縮，形成特定條件下的自然形態，放下了對陶泥全權掌控。他將這個過程錄製為另一件作品——「Clay Con Moto II」，通過錄像，可以看見泥土在乾涸過程中的變化及捲縮，其動態不一，有如翩翩起舞的舞者，自主著自己的生命。

陶瓷作品：生命的浪

陳翹康，生命的浪，2020

白瓷

12cm x12 cm x 4cm

　　另一件想介紹的作品同樣是以陶瓷為媒介的「生命的浪」；出自陶藝家陳翹康之手。陶泥作為原始媒介，經歷數千年的歷史演變，置於當下，還能有甚麼可能性？陳翹康經常問自己。

陳翹康，生命的浪，2020

白瓷

12cm x12 cm x 4cm

　　陳翹康認為，陶瓷具有記錄的特性，燒製後更帶著某種永恆的意義。作品「生命的浪」就是透過陶泥的可塑性，用倒模的形式記錄藝術家心中所想。一個個白瓷正方體上，均有一個仿如浪尖般凸起的部分，那不是甚麼特別的物件形態，而是我們每個人身體上都存有的負空間——肚臍。胎兒在媽媽肚子裡靠著一條臍帶為生，當胎兒出生時，剪下臍帶一刻，亦代表了一個生命獨立體的誕生，而肚臍就是剪下臍帶後留有的一個印記，一個脫離母體的象徵。藝術家特別保留了肚臍的負空間，讓它有如浪般起落，就像生命般。

混合媒介作品：屋企

李寧，屋企，2020

混合媒介

80 x 120 cm

　　除了以陶瓷為媒介，繪畫絕對是大多數人喜歡的媒介，甚或是最常接觸的媒介。步入展廳門口，便可看見幾件以繪畫作為出發點的作品；其中一件是年輕藝術家李寧的版畫作品。版畫雖有悠長歷史，但在香港卻不是主流，也不常見。「屋企」是單色的黑白版畫，但同時亦結合了collage的手法去完成的一件多媒介作品，可整體觀賞，也可局部細看。

作品局部

　　李寧平日裡，除了製作版畫，同時亦是一名紋身師，不管是紋身作品還是版畫作品，都有著微妙的共通點——鮮明十足的線條感。版畫與紋身於他而言就是相輔相成，但刀刻版畫與在皮膚繪畫的感覺當然不同，這一點相信李寧更為清楚，紋身讓他更為謹慎，一條條線都是看得到的理智。他的紋身作品靈感大多源於客人自身給予的文字和話語，隨後結合自己的理解與詮釋，轉化為圖騰，去建構客人的故事；而這一個又一個故事同時亦是他版畫的靈感來源，所以看李寧的作品，像是一塊塊拼湊的碎片，但在這碎片裡頭，又是無窮無盡的故事與幻想。

攝影作品：互聯遊

互聯遊（一），2020，攝影

黎健強在皇家展覽館外，2020年10月2日

Drew在獅子山，2020年10月2日

80 x 50 cm/件，共兩件

　　這件攝影作品是由黎健強Edwin與澳洲藝術家Drew Pettifer一起完成的，作品命名為「互聯遊」相當直白，無疑是對當下的回應。在想飛不能飛的情況下，藝術家又是如何利用科技、網絡與黑色幽默去苦中作樂？在這個作品中，Edwin和Drew就利用現今的數碼科技，彼此分享日常生活中常去的地方，以眼睛去旅行的形式在疫情底下樂一樂，最後以攝影將影像記錄。

　　展覽值得介紹的作品還有很多，在此難以一一盡錄。關於展覽，關於藝術，陳育強亦分享到，「很多人在修讀完藝術後，未必會成為所謂的藝術家，但並不代表你不是藝術家，只是在不同的崗位裡，如何用藝術影響其他人。」編者相信任何東西都有其存在的理由，就算它未必能馬上體現，但說不上哪天，就成了無用之用。

　　身處於當代藝術的語言中，有不少人直呼根本看不懂，當代藝術的界線似乎也相當模糊，有時不禁會想，畫了一幅畫、拍了一張相片是不是就是一件作品？到底甚麼才稱得上是藝術？或許這就是當代藝術的好玩與吸引之處——有著種種的可能性，當然背後亦不能缺少某種強烈的意識及想法，去貫穿、連接並有效的表達當中所想。

　　面對如此開放的當代藝術語言，但並不是全部掛著「當代藝術」的作品就是好作品，不過大家也不妨開放些，採取認同或不認同的態度去審視它，觀看藝術也不僅僅是看它到底美不美，而是在所謂的「完成品」中透過蛛絲馬跡，尋找其思緒與想法，看藝術家在探索藝術的路上，如何不斷掙扎、突破、再推翻自己的過程，感受平靜背後的暗湧思緒，說白了，就是閱讀藝術家的思考模式，從中汲取更多框架外的可能性。

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